"Esta es una película sobre carne": lo que los autores de obras famosas realmente querían decir

Recientemente, las ventas de obras populares-distopías-como las novelas de Orwell y Huxley se han disparado en todo el mundo. Y en América, la famosa novela "Fahrenheit 451" se convertirá en una serie de televisión. 

Otra cosa es que el autor de la novela, Ray Bradbury, no creía en absoluto que la idea de su trabajo fuera la censura o la supresión de la disidencia. Afirmó que ganó fama por error, solo estaba tratando de reflejar la influencia dañina de la cultura pop y la televisión en sus conciudadanos. 

La percepción errónea de los autores por parte del público y los críticos no es un fenómeno nuevo. Esta colección contiene obras significativas que no se entendieron como se pretendía.

La distopía de Ray Bradbury se desarrolla en la futura Inglaterra, donde todos los habitantes del país están firmemente enganchados a la televisión y no piensan en el significado de la vida, y los libros están prohibidos y sujetos a la quema como fuente de disidencia. A lo largo de los años, la novela ha sido interpretada como la respuesta del autor a la represión en la Unión Soviética, a la quema de libros en la Alemania nazi y a la persecución de los comunistas en Estados Unidos, y finalmente se convirtió en un símbolo de la lucha por la libertad de expresión a la par con las obras de Orwell. 

Esto es lo que el propio autor pensó sobre esto:

La película sobre una familia de maníacos caníbales de Texas, que fue amada por el público, se ha convertido en el objeto de una variedad de interpretaciones de críticos de cine y amantes del cine. Alguien vio en ella una historia sobre la sexualidad suprimida en el espíritu de las tragedias clásicas, y alguien vio la declaración del director sobre la sociedad de consumo. Una de las interpretaciones más populares dice que Hooper codificó la crítica de la guerra de Vietnam en la película: dicen, miren lo que está sucediendo en una sociedad atrapada por la psicosis militar.

Esto es lo que Hooper dijo sobre esto:

Con la mano ligera del esposo de la artista Alfred Stiglitz, quien fue el primero en ver una vagina en una orquídea, los lienzos aireados y florales de Georgia O'Keeffe fueron interpretados hasta finales de siglo como variaciones freudianas sobre el tema "las flores son, como el principio femenino, un símbolo de vida...". Y aunque la propia artista ha refutado repetidamente tales afirmaciones, la fascinación ociosa de los críticos con el psicoanálisis se hizo cargo, y numerosas artistas feministas, bajo la influencia de lo que leyeron, incluso se ofrecieron a cooperar con ella (a lo que se negaron).

Georgia O'Keeffe

En sus figuras pintadas al carbón, el aspirante a artista atrapó al recién naciente tipo neoyorquino de comerciantes imprudentes, que más tarde fueron descritos en "American Psychopath" por Bret Easton Ellis. Estos son jóvenes empresarios exitosos que se van después del trabajo sin quitarse sus camisas y chaquetas de oficina. En cualquier caso, así es como su trabajo fue descrito por los críticos que elogiaron el" ojo agudo " del autor y convirtieron a Longo en una estrella de la escena artística de Nueva York. Las pinturas, en su opinión, transmitieron de manera realista la imagen de los banqueros enloquecidos por la soledad y el consumo, criticando claramente las costumbres de los habitantes de la metrópoli. 

Robert Longo

En la América de finales de los ochenta, el antihéroe, mentiroso y engañador de culto Gordon Gekko, que reprochaba la ley y la moralidad de todas las maneras posibles, rápidamente se convirtió en un modelo a seguir para un ejército de jóvenes que abandonaron la universidad y trabajaron para comenzar a cotizar en la bolsa de valores. Los lemas del personaje "La codicia es buena "y" Almuerzo para débiles " se han convertido en los eslóganes de toda una generación de estudiantes de escuelas de negocios. No es sorprendente que después de la crisis financiera de 2008, políticos y figuras públicas culparon a los "hijos de Gordon Gekko"por la distribución de préstamos baratos. 

Esto es lo que el guionista que creó el personaje por el que Michael Douglas ganó un Oscar dijo sobre esto:

Stanley Weiser

La película del director holandés causó un verdadero furor entre los críticos culturales en los Estados Unidos. Exponiendo la corrupción en la policía, la omnipotencia de las grandes corporaciones y la falta de voluntad de los políticos: después de leer la reseña de la película, puede tener la impresión de que acaba de leer una reseña de otra "gran novela estadounidense", y no una película de acción con malos efectos especiales. Mientras que los conservadores y los liberales interpretaban los posibles mensajes del director, el héroe de la película vivía una vida independiente: había menos pathos antiestadounidenses en las partes posteriores, y el propio Robocop se convirtió en un héroe nacional.

Ahora prepárate: 

Paul Verhoeven

Cuando los lienzos abstractos de Rothko aparecieron por primera vez al público a finales de los años 40, los críticos comenzaron a elogiarlos y regañarlos por casi lo mismo: supuestamente no hay nada excepto el juego de color en las pinturas: sin emociones, sin asociaciones, sin significados ocultos. Comenzaron a decir sobre Rothko que fue el fundador de un nuevo movimiento en la pintura, que el color en sí se convirtió en el objeto de la imagen, y no una manera de evocar asociaciones en el espectador o encontrar una respuesta emocional. Hasta ahora, en los folletos de algunas galerías, se pueden encontrar descripciones de sus obras, que hablan de cómo sus formas coloreadas "vibran" en una lucha visual entre sí. 

Parece que el artista pensó exactamente lo contrario:

Mark Rothko

Un horror de fantasía sobre cómo los extranjeros que cayeron a la Tierra se establecieron en el gueto de Johannesburgo y fueron oprimidos por las autoridades, probablemente en el contexto de la historia reciente del continente, no puede interpretarse de otra manera que una metáfora del apartheid. Incluso el título de la película parecía ser una referencia directa al "distrito número 6" de Ciudad del Cabo, cuyos residentes negros fueron sometidos a la deportación masiva en los años 60.

De hecho, el director quería llamar la atención sobre el problema más moderno de los refugiados, que a menudo se instalan en las afueras de las ciudades y están aislados del centro de la vida:

Un thriller absurdo sobre cómo un invitado al azar en la casa de un famoso poeta finalmente atrae a todo un ejército de fanáticos locos allí, que destruyen la casa y atormentan a su esposa, no todo el mundo entendió. O mejor dicho, nadie lo entendía.

La película, que ha desconcertado al jurado del Festival de Cannes, está tan densamente llena de metáforas bíblicas y elementos fantásticos de ciclos de combustión, sacrificio y renacimiento que es simplemente imposible ver un mensaje inequívoco en todo esto: cada uno es libre de interpretar la película a su manera. 

Los críticos dijeron que el director habló en contra de los refugiados, las feministas y la Biblia. Los fans vieron en él una colorida historia de cómo el autor da a luz a un poema en agonía y lo da al público para que lo haga pedazos. 

¿Qué papel juega la esposa del personaje principal en todo esto, que sacrifica todo por el bien de un poeta vano?

Resulta que todo se trata del calentamiento global:

Darren Aronofsky