Las 20 fotógrafas más influyentes de los últimos 100 años

En este número hemos reunido dos docenas de las fotógrafas más talentosas del siglo pasado, quienes con su creatividad hicieron una enorme contribución al desarrollo del arte mundial de la fotografía.

Eva se interesó por este tipo de creatividad en 1946. Dio sus primeros pasos en la fotografía profesional dos años después en la revista Harper's Bazaar de la mano de su director de arte Alexei Brodovich. Durante su carrera creativa, Eva ha trabajado en China, Sudáfrica, Rusia y Afganistán, fotografiando una variedad de temas, eventos y retratos. Se hizo ampliamente conocida por fotografiar estrellas de Hollywood y figuras políticas: Marlene Dietrich, Joan Crawford, Elizabeth Taylor, Clark Gable, Malcolm X, Jacqueline Kennedy, Margaret Thatcher, la reina Isabel II y otros. Fue especialmente famosa por su serie de retratos de Marilyn Monroe.

En los años de la posguerra, Eva Arnold llevaba el título no oficial de gran dama del fotoperiodismo. Se la considera una de las creadoras de la "edad de oro de la fotografía periodística", asociada a publicaciones como Life y Look. Estas revistas atrajeron la atención no tanto por sus textos como por fotografías altamente artísticas tomadas por maestros como Henri Cartier-Bresson, Gordon Parks, Robert Capa y otros.

En 1980, el Museo de Brooklyn de Nueva York acogió la primera exposición individual de fotografías de Eva Arnold tomadas en China. En 1995 se convirtió en miembro de la Royal Photographic Society.

En total, Inge publicó unas 30 monografías durante su vida. Trabajó en diferentes géneros, fotografiando paisajes, retratos, arquitectura, reportajes, pero se hizo famosa principalmente como fotógrafa callejera.

Inge se interesó por la pintura con luz a principios de la década de 1950 mientras trabajaba en la Viena de la posguerra con el fotógrafo Ernst Haas. Se inspiró para desarrollar su propia creatividad viendo las obras del gran Henri Cartier-Bresson.

Inge viajó mucho. Visitó Europa, África, Estados Unidos, América del Sur y Medio Oriente. "La fotografía es algo extraño... Uno simplemente confía en sus ojos, pero no puede evitar desnudar su alma", dijo una vez.

La fotógrafa y fotoperiodista estadounidense Margaret Bourke-White, pionera del reportaje, se convirtió en la primera fotoperiodista de la revista Life. También fue la primera fotógrafa occidental en visitarlo en 1930. También se la puede llamar la primera mujer a la que se le permitió trabajar en el frente. Durante la Segunda Guerra Mundial, Margaret fotografió muy activamente y fue la única fotógrafa extranjera presente en Moscú durante el ataque de la Alemania nazi; Más tarde acompañó a las tropas estadounidenses.

Su libro Dear Fatherland, Rest Quietly, en el que Margaret mostró todos los horrores de la guerra, ganó fama mundial y su autobiografía A Portrait of Her Own se convirtió en un éxito de ventas.

Como señalaron los contemporáneos, Margaret siempre reveló la esencia objetiva de un evento y filmó de tal manera que cada cuadro reflejaba su actitud ante lo que estaba sucediendo. Maestra de los ensayos fotográficos periodísticos dinámicos, era increíblemente perspicaz y sabía cómo transmitir emociones vívidas en sus fotografías. Como dijo la propia Margaret, la cámara fue su salvación, una barrera entre ella y la realidad. Hoy sus fotografías se conservan en museos históricos de Estados Unidos y en la Biblioteca del Congreso en Washington.

Margaret Bourke-White murió a la edad de 67 años después de sufrir durante mucho tiempo la enfermedad de Parkinson.

En las décadas de 1950 y 1960, Lillian trabajó en Harper's Bazaar como fotógrafa de moda y directora de arte, pero pronto decidió cambiar radicalmente su estilo y se interesó por la fotografía en blanco y negro de alto contraste. Comenzó a utilizar esta técnica en sesiones de fotos de moda, gracias a la cual ganó considerable popularidad.

Lillian estaba muy interesada en la fotografía pictórica. Quizás esto sea lo que explique el carácter pintoresco y gráfico de sus obras. Era conocida como una experimentadora que se tomaba el tiempo para procesar fotogramas y trataba de disparar desenfocadas y con velocidades de obturación largas.

A menudo se describe a Lilian Bassman como una fotógrafa autodidacta que, como ella misma dijo, intentó “deshacerse de la pesadez de la fotografía”.

Al final de su carrera, Bassman descubrió la fotografía abstracta en color y dominó Photoshop.

Diane Arbus es una fotógrafa estadounidense conocida por sus fotografías cuadradas en blanco y negro de "desviados e inadaptados (enanos, gigantes, transexuales, nudistas, artistas de circo), así como de gente corriente que parece fea y surrealista". El catálogo de su obra, publicado por la revista Aperture, sigue siendo uno de los más vendidos en la historia de la fotografía.

Diana comenzó su viaje creativo en la fotografía junto con su marido Alan. En 1941, asistieron a una exposición fotográfica en la Galería Alfred Stieglitz, donde Diana escuchó por primera vez nombres como Matthew Brady, Timothy O'Sullivan, Paul Strand, Bill Brandt y Eugene Atget. Alan ya tenía cierta experiencia en este campo, habiendo completado un curso de fotografía militar durante la Segunda Guerra Mundial. La pareja decidió probar suerte con la fotografía. Su primera colaboración fue una sesión publicitaria para los grandes almacenes del padre de Diana.

En 1946, Diane y Alan abrieron su propio estudio de fotografía, Diane & Allan Arbus, donde ella se convirtió en directora de arte y él en fotógrafo. Muy pronto empezaron a recibir pedidos de las revistas Glamour, Seventeen, Vogue, Harper's Bazaar, pero esto no fue lo que interesó a los jóvenes creadores. En sus propias palabras, “odiaban el mundo de la moda”.

Pronto Diana empezó a trabajar sola y muy rápidamente encontró su tema. Ella mostró al mundo esas personas que, cuando nos encontramos, la mayoría de nosotros miramos hacia otro lado. Enanos, gigantes, nudistas... la galería de imágenes que muestra es impresionante... Siendo una persona muy sensible y receptiva, Diana sufrió depresión durante toda su vida, y en 1971 se suicidó.

En 2004, su fotografía Identical Twins se vendió por casi medio millón de dólares.

Realizó sus primeras fotografías en Francia a finales de los años 40 y 50. En Estados Unidos, Vivian comenzó a fotografiar paisajes urbanos y pronto compró una cámara Rolleiflex. Durante su vida, no le importó publicar sus fotografías, probablemente considerándolas como un hobby.

La obra de Vivian Maier representa Nueva York desde los años cincuenta hasta los ochenta. Gracias a sus obras, los espectadores pueden conocer las calles de esta ciudad de aquellos tiempos. Mayer tiene muchas imágenes y fotografías. Casi nunca imprimió sus obras y, al final de su carrera creativa, ni siquiera reveló las películas, sino que simplemente las dobló.

Vivian Maier trabajaba como niñera y casi nadie sabía de su pasión por la fotografía. Según el testimonio de sus contemporáneos que la conocieron, era una persona muy modesta, reservada y al mismo tiempo excéntrica. Entonces, al ser muy alta, usaba ropa larga y zapatos de hombre grandes, lo que hacía que su figura fuera aún más grande e inusual.

Además de la fotografía, Mayer se interesó por el cine e incluso grabó varios vídeos sin argumento sobre la vida de la ciudad. También grabó entrevistas con las personas con las que habló. Todos estos trabajos aún se encuentran en etapa de investigación.

El mundo debe el inesperado descubrimiento del nombre de esta fotógrafa a John Maloof, quien compró sus fotografías en una subasta por 400 dólares, sin siquiera saber el valor de su adquisición. Contó más de 100.000 negativos, que todavía está revisando y que planea publicar más adelante. Como había muchas fotografías y su almacenamiento era difícil, John tuvo que vender algunas de las fotografías al coleccionista Jeff Goldstein.

Lisette nació en una buena familia vienesa y estudió música con el famoso compositor Schoenberg. Tras la muerte de su padre, su familia se mudó a París, donde ella se ganó la vida cantando. Pero muy pronto la niña se aburrió de la música y se dedicó a la fotografía.

Lisette estudió con la primera esposa de Andre Kertész, Roja Andre, y de ella aprendió la regla principal: "Nunca filmes algo que no te interese apasionadamente".

La modelo es considerada una de las fundadoras de la fotografía callejera, su mirada es siempre cruel.

Les dijo a sus alumnos: “¡Tomen fotografías desde sus entrañas!” Por cierto, los más famosos, Diane Arbus y Bruce Weber, lograron encontrar su propio estilo, "disparar desde el interior" y mostrar al mundo lo que nadie quiere ver.

El entorno urbano fue la principal fuente de inspiración de Lisette. En su portafolio vemos reflejos en las ventanas de los rascacielos, multitudes de transeúntes, retratos de mendigos y la belleza desvanecida de damas adineradas. Hasta 1950, el trabajo de Model se publicó en las revistas de moda Look y Harper's Bazaar, y en los años de la posguerra este estilo se consideró demasiado duro y pasó de moda.

Imogen Cunningham es una fotógrafa estadounidense, conocida por sus fotografías de plantas, desnudos e industria, una de las fundadoras de la asociación informal de fotógrafos californianos “Grupo F64”, que incluía a Ansel Adams, Edward Weston, Willard Van Dyke y otros.

Imogen Cunningham se convirtió en una de las primeras mujeres que se atrevió a llamar a la fotografía su profesión. Su carrera comenzó en 1901 en el estudio de Edward Curtis en Seattle, donde imprimió fotografías. En 1909, Imogen fue a Alemania para estudiar en la Escuela Secundaria Técnica y, al regresar, abrió su propia galería de retratos en Seattle, que rápidamente ganó fama.

En 1906, Imogen realmente sorprendió al público local al publicar su autorretrato desnuda. Desde entonces, la fotografía de desnudo se ha convertido en su género favorito, aunque no el único. Muchas de las fotografías de Imogen fueron escandalosas.

A principios de la década de 1930, Cunningham se unió al Grupo F64, cuyos miembros promovían la fotografía como una forma de arte independiente y se centraban específicamente en la estética fotográfica. Después de un tiempo, abrió una nueva galería y comenzó a enseñar en el Instituto de Arte de San Francisco. En 1974, Imogen Cunningham publicó una monografía retrospectiva de sus fotografías. Murió en 1976 sin completar su última serie, Life After 90.

Francesca Woodman es una fotógrafa estadounidense, hija del pintor y fotógrafo George Woodman y de la ceramista Betty Woodman.

Francesca empezó a tomar fotografías a los 13 años. Se graduó en la escuela de diseño y visitó con frecuencia la librería-galería de vanguardia romana Maldoror, donde tuvo lugar la primera exposición de su obra. En 1981, se publicó en Filadelfia una serie de sus fotografías, "Varias muestras de geometría interna perturbada", que siguió siendo la única publicación durante su vida.

La obra de Francesca a menudo se considera fantasmagórica e incluso loca. Muy a menudo ella misma está presente en sus fotografías. Una casa mística con chimenea, ventanas y espejos representa un mundo desconocido y aterrador. En cierto sentido, cada una de sus fotografías es un intento de mirar su propia vida como si fuera desde fuera y, observando, capturar lo esquivo. Según los investigadores, el trabajo de Woodman estuvo especialmente influenciado por la pintura y la fotografía del surrealismo, los autorretratos de Remedios Varo, Frida Kahlo, las obras de Hans Bellmer y los maestros estadounidenses: Clarence John Laughlin y R. Yu.

A principios de la década de 1920, Ilse Bing recopiló materiales para su tesis sobre la historia de la arquitectura alemana. Necesitaba una cámara y pronto compró una Leica, en aquel momento una cámara completamente nueva que pocas personas habían utilizado todavía.

Al apreciar el tamaño compacto de la cámara, Ilsa empezó a disparar mucho. Pronto su nivel de habilidad creció tanto que los trabajos de Bing comenzaron a publicarse en revistas alemanas. En 1930, a pesar de la resistencia de su familia, decidió convertirse en fotógrafa profesional y se mudó a París.

A finales de los años 1920 y principios de los 1930, Ilse Bing era casi la única fotógrafa profesional que utilizaba una cámara de formato estrecho, y con mucha habilidad. Es por ello que comenzaron a llamarla la “Reina de Leica”. Las obras de Ilse fueron igualmente bien recibidas por el público en general y por los representantes del arte europeo de vanguardia. Sus fotografías participaron en exposiciones europeas junto con fotografías de Man Ray, André Kertész, László Moholy-Nagy y Henri Cartier-Bresson.

Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, Ilse Bing emigró a los Estados Unidos, reemplazó su Leica por una cámara de gran formato y pronto ganó fama como una talentosa fotógrafa de retratos.

Destacada “artista de pintura con luz” rusa, primera fotógrafa oficial del Conservatorio de San Petersburgo, fundadora de su propio taller artístico y fotográfico.

Elena comenzó su carrera trabajando como profesora y vendedora. Pero, siempre siendo partidaria de la fotografía, en 1892 decidió completar los cursos del V Departamento de Pintura con Luz de la Sociedad Técnica Rusa, e inmediatamente después recibió una educación especializada en París del famoso maestro de fotografía Félix Nadar. Mrozovskaya es autor de una gran cantidad de retratos de artistas, pintores y escritores famosos. Fue fotógrafa en el famoso baile de disfraces de 1903 en el Palacio de Invierno y fotografió actuaciones en el Teatro V. F. Komissarzhevskaya. También era muy buena retratando a niños.

La propia Sabina Weiss no recordaba dónde, allá por 1936, una niña normal de doce años de un pequeño pueblo suizo tuvo un deseo completamente incontenible de fotografiar todo lo que la rodeaba. Siempre le gustó observar el mundo que la rodeaba y no iba a ocultar su sentimiento de admiración por él. París a través de los ojos de Sabine Weiss es una ciudad verdaderamente mágica. Después de la guerra, parecía estar saturado de energía, cada rincón se volvió interesante y cada evento se volvió significativo. Y Sabina viajó incansablemente por París, filmando todo lo que veía a su alrededor.

Un día dirá que gran parte de sus fotografías pertenecen al entorno que las vio nacer. Pero esto sólo sucederá más tarde, cuando sus fotografías de paisajes, tomadas por ella misma, sin mirar al futuro, se conviertan en una sensación en muchas exposiciones, y la propia Sabina se convierta en una maestra reconocida. Mientras tanto, ella ya tenía algo que hacer: desde 1952 colaboró con la revista Vogue y trabajó en la famosa agencia fotográfica Rapho bajo la dirección del propio Robert Doisneau (quizás el autor de "El beso" también estuvo influenciado por el amor sincero de Sabina por París ). Fotografió mucho para publicidad, así como para las principales publicaciones europeas y americanas: Time, Life, Newsweek, Town and Country, Holiday, Paris Match.

Sabina Weiss ya es una autoridad indiscutible en el mundo de la fotografía, cuyas exposiciones siempre están agotadas y muchas de las fotografías que tomó se conservan en museos de todo el mundo: Nueva York, París, Londres, Zúrich, Chicago, Kioto... La historia sirve como clara ilustración de su talento con una de las exposiciones fotográficas más famosas de la historia. Estamos hablando de la bienal Family of Man que tuvo lugar en 1955, a la que diversos fotógrafos de todo el mundo presentaron más de 2 millones de imágenes. Sin embargo, la versión final de la exposición incluyó sólo 503 obras, y la autora de tres de ellas fue Sabine Weiss.

Ella misma admitió que siempre le interesó más la naturalidad de la situación y los verdaderos sentimientos de las personas. Y por eso, en general, no ocultó su actitud fría hacia la fotografía moderna, que, en su opinión, estaba demasiado interesada en construir el marco y los objetos que en él se encontraban.

El verdadero nombre de la francesa Sarah Moon es Marielle Hadan. Como modelo de éxito, se buscaba activamente en otro campo. Por lo general, después de dejar el negocio del modelaje, las chicas se convierten en actrices no muy exitosas, pero Sarah Moon fue una excepción: se convirtió en una fotógrafa muy solicitada.

Al principio, fotografiaba a sus compañeras modelos casi como una broma, pero pronto se interesó y comenzó a pasar cada vez más tiempo detrás de la cámara, dominando la difícil habilidad de un fotógrafo. En 1967, Sarah se retiró del modelaje y se concentró por completo en la fotografía de moda. En la década de 1970, se convirtió en la primera mujer invitada a fotografiar el calendario Pirelli, un proyecto en la intersección de la fotografía publicitaria y el arte.

Casi al mismo tiempo, desde 1979, Sarah se probó a sí misma como camarógrafo y director, primero en comerciales, luego en documentales e incluso largometrajes. En la fotografía, poco a poco se fue alejando del mundo del brillo hacia la fotografía artística. Su estilo era muy poco convencional para aquella época y todavía hoy impresiona. Estudiar arte no fue en vano para Sarah, y transfirió a sus fotografías, en la medida de lo posible, el estilo del impresionismo francés de principios del siglo XX, que se convirtió en su estilo característico.

La propia Sarah bromea diciendo que la razón de las imágenes borrosas es su miopía: supuestamente simplemente no podía enfocar la lente. Sarah Moon realiza fotografías casi exclusivamente en blanco y negro, considerando que el color es completamente innecesario para transmitir la idea de la fotografía. Tiene un gran número de exposiciones a su nombre y ha recibido numerosos premios por su trabajo, por ejemplo, el Premio Clio como el fotógrafo francés más creativo.

La ahora famosa fotógrafa estadounidense Sally Mann, en su juventud recibió una licenciatura en literatura en Hollins College, pero aun así decidió conectar su vida con la fotografía. Su carrera creativa comenzó con una foto desnuda de una compañera de clase. Probablemente aquí es donde se origina la escandalosa fama de Sally.

Al inicio de su trabajo, Sally estudiaba en una pequeña habitación de 5 × 7 metros que le proporcionó su padre. Allí realizó sus experimentos utilizando equipos fotográficos antiguos.

La popularidad le llegó después de la publicación de la serie de fotografías "Familiares inmediatos", que constaba de 65 cuadros, en los que en su mayoría aparecían miembros de la familia de Sally de vacaciones. Muy a menudo creaba algo que no siempre era comprendido en la sociedad. Por ejemplo, Sally no consideró en absoluto que sus fotografías de sus propios hijos desnudos, que fueron criticadas por muchos, fueran algo antinatural. Abordó diferentes géneros fotográficos, incluidos los paisajes, que a veces también suscitaban opiniones polarizadas.

En 2001, Sally Mann recibió el título de Mejor fotógrafa de Estados Unidos. Parece que esta mujer no puede ser detenida: en 2006 resultó herida mientras montaba a caballo, pero incluso mientras estaba en tratamiento hizo varios autorretratos interesantes.

Astrid se interesó por la fotografía en blanco y negro inmediatamente después de graduarse de la escuela, aunque planeaba convertirse en diseñadora de moda. Después de varios años de estudio, trabajó durante cuatro años como asistente de su profesor de fotografía, Reynard Wolf.

Astrid conoció a los legendarios Beatles gracias a su amigo Jürgen Vollmer, quien una vez asistió por casualidad a un concierto del joven grupo. Como recordaban las amigas de la muchacha, su mera aparición en el club siempre atraía toda la atención hacia ella. Un día preguntó a los músicos si les gustaría que ella hiciera su sesión de fotos. Ellos, por supuesto, estuvieron de acuerdo, porque en ese momento no tenían fotografías profesionales. A la mañana siguiente, Kirchherr fotografió a los Beatles con una cámara Rolleicord.

A lo largo de su vida, Astrid mantuvo relaciones amistosas con este grupo. Se la considera la inventora de los inusuales peinados de los Beatles, aunque ella misma lo niega.

En 1964, Kirchherr se convirtió en autónomo. Con su colega Max Scheler fotografió a los Beatles durante el rodaje de A Hard Day's Night para la revista alemana Stern.

Kirchherr describió más tarde lo difícil que era convertirse en fotógrafa en la década de 1960:

Se sabe que Kirchherr decidió realizar una colección de fotografías “When We Was Fab” (2007) como última publicación:

Profesora de lengua y literatura rusas en el colegio, un día cogió una cámara para, junto a su marido Dmitry Vozdvizhensky, mostrar al mundo toda una galería de bellas imágenes de la realidad soviética. Por primera vez, las obras ejecutadas profesionalmente de Nina Sviridova se publicaron en 1961 en el Teacher's Newspaper.

Los editores del periódico Sputnik notaron inmediatamente esta maravillosa “transformación de un aficionado en un profesional, de un profesor de lengua rusa en un profesor de fotografía”. Ese mismo año, su fotografía "En el muro del Kremlin" apareció en "Soviet Photo".

Nina Sviridova y Dmitry Vozdvizhensky fueron incluidos legítimamente en la lista honorífica de esa época junto con V. Gende-Rothe, N. Rakhmanov, V. Akhlomov, G. Kolosov, L. Sherstennikov, E. Kassin, V. Reznikov y muchos otros maestros. , cuyas obras decoraron páginas de periódicos y revistas y salas de exposiciones de exposiciones fotográficas nacionales y extranjeras durante el período del deshielo.

Nina Sviridova viajó mucho, visitó todos los rincones de la Unión Soviética: Transcarpatia, los Urales, Bielorrusia y los países bálticos.

La unión creativa de los cónyuges duró unos 40 años. Nina Sviridova definió su actitud hacia la fotografía de esta manera: “Me parece que cada fotoperiodista, además de trabajar en un encargo editorial, necesariamente debe trabajar en su propio tema, especialmente cerca de él. Para mí fue la felicidad humana. Me encanta la manifestación de optimismo en las personas, una percepción alegre y luminosa del mundo que les rodea”.

Nina Sviridova y Dmitry Vozdvizhensky no cambiaron este postulado en toda su vida.

Victoria Ivleva es una de las fotoperiodistas rusas más destacadas. Graduada en la Facultad de Periodismo de la Universidad Estatal de Moscú en 1983, rápidamente adquirió una considerable autoridad entre sus colegas.

A principios de los años 80 y 90 del siglo pasado, trabajó en todos los puntos calientes, y luego en Rusia. En 1991, Victoria se convirtió en la única periodista que filmó el interior de la cuarta unidad de energía de la central nuclear de Chernobyl. Por este material recibió el premio más prestigioso para un fotoperiodista: el World Press Photo Golden Eye.

Las obras de Victoria Ivleva han sido publicadas por muchas de las principales publicaciones rusas y del mundo, en particular New York Times Magazine, Stern, Spiegel, Express, Sunday Times, Independent, Die Zeit, Focus, Marie Claire y otras.

Durante más de 25 años, Svetlana Georgievna trabajó como destacada especialista en el departamento de fotografía de la Casa Estatal Rusa de Arte Popular. Actualmente, Trabajador de Honor de la Cultura de la Federación de Rusia, curador de fotografía infantil y juvenil, miembro del jurado, participante y premiado de exposiciones, festivales y concursos fotográficos internacionales, de toda la Unión y de Rusia.

Svetlana es autora de numerosos artículos y publicaciones sobre fotografía, autora de los libros: “Photobook” (en coautoría con A. Agafonov), editorial “Children's Literature” (1993), “Photomaster”, Moscú, editorial “Penta (2001 g.), “Escuela de fotógrafos. Antología de fotografía infantil y juvenil", "Galería de Photomasters", Moscú, editorial "GALART" (2008) "Escuela de Fotógrafos" (2ª edición), Moscú, editorial "Indexmarket" (2012).

Se han realizado más de 20 exposiciones personales de Svetlana en toda Rusia y en el extranjero. Sus obras se conservan en el Museo Estatal de Bellas Artes que lleva el nombre de A. S. Pushkin (Museo Pushkin), el Centro Estatal de Arte Contemporáneo (NCCA), así como en colecciones privadas. Svetlana enseñó fotografía en la Universidad Estatal Rusa de Humanidades (Russian State University for the Humanities), y en la Escuela de Periodismo Izvestia impartió cursos sobre “Fundamentos de composición” y “Estilística de la fotografía”.

Galina Kmit es fotógrafa, artista fotográfica, fotoperiodista soviética y rusa, Artista de Honor de la Federación de Rusia (2003), miembro de la Unión de Cineastas y Periodistas de Rusia, académica, miembro de la Academia de Investigación Ferroni Ruso-Italiana, miembro correspondiente de la Academia Nacional de Artes y Ciencias Cinematográficas.

En el arte mundial de la segunda mitad del siglo XX, es difícil encontrar una celebridad que no haya sido captada por la cámara de la Artista de Honor de Rusia Galina Kmit. Ella sabe muy bien lo que es caminar por la alfombra roja del Festival de Cine de Cannes.

Se han organizado docenas de exposiciones de fotografías de Galina Kmit en Rusia y en todo el mundo. Las series fotográficas de Galina "Estos magníficos hombres" y "Mis rivales", dedicadas a artistas famosos, se hicieron especialmente populares.

Se la considera una leyenda viviente de la fotografía. Y ella misma lo trata con mucha reserva. Esto, por ejemplo, es lo que Galina dijo en una entrevista con un corresponsal del Periódico del Maestro: “Tal vez realmente soy una leyenda, nunca se sabe lo que pasa en el mundo. Tu hermano el periodista hizo lo mejor que pudo aquí. Una vez alguien me llamó así y nos vamos. Y no me importa, no es ofensivo. ¿Y quién podría haber imaginado que todo resultaría así? Primero fui corresponsal, comencé en mi redacción natal de Moskovsky Komsomolets...”

Pero los méritos de Galina Vasilievna no se limitan sólo a fotografías de estrellas. Auténtica cronista de fotografías, visitó todos los rincones de la Unión Soviética. En la exposición “Rusia es mi patria” se presentaron sus hermosas obras de Sakhalin, Kamchatka, Komi...

Decidida, decidida y talentosa: los méritos de Galina se pueden enumerar durante mucho tiempo.

Anna-Lou "Annie" Leibovitz es una reconocida fotógrafa estadounidense mejor conocida por sus retratos de celebridades. Hoy en día es reconocida como la fotógrafa más solicitada. La fama de Annie Leibovitz es tan grande que se ha transformado en una cualidad diferente: algunas de sus obras simplemente se separaron de la personalidad del creador y comenzaron a vivir su propia vida.

Annie Leibovitz nació en 1949 en Estados Unidos, en el estado de Connecticut. Su padre era militar y la familia se mudaba a menudo de un lugar a otro. Annie dijo más tarde que no es difícil convertirse en artista si desde la más tierna infancia ves el mundo en un marco ya hecho, a través de la ventanilla de un coche. La familia finalmente regresó a los Estados Unidos y Annie ingresó al Instituto de Arte de San Francisco en 1967, con la intención de convertirse en profesora de arte. Un año después, también se matriculó en cursos de fotografía, donde no solo enseñaban teoría, sino que también enviaban a los estudiantes a la calle, y por la noche discutían las fotografías tomadas. En 1969, Annie abandonó la escuela y se fue a Israel en una expedición arqueológica. Curiosamente, fue allí donde se fortaleció su deseo de convertirse en fotógrafa.

En 1970, Annie pudo conocer al fundador de Rolling Stone, Jan Wenner, y convencerlo de que le diera una oportunidad. Desde 1971 se convirtió en fotógrafa de esta revista. En aquel momento, Rolling Stone era una de las publicaciones más populares de Estados Unidos y podía fotografiar a los personajes más famosos. Annie Leibovitz también colabora con Vogue y simplemente graba anuncios para marcas famosas. Pero también tiene otras fotografías: por ejemplo, de la guerra de Bosnia trajo varias tomas conmovedoras, incluida la conocida fotografía de una bicicleta de niño tirada y manchada de sangre cerca.

A pesar de su avanzada edad, Annie Leibovitz sigue activa para la envidia de muchos y participa en un proyecto tras otro, fotografiando a celebridades, organizando exposiciones y publicando álbumes.